Carlos Saura


Carlos Saura

Carlos Saura

Carlos Saura Atares
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Carlos Saura en Calanda (21 de marzo de 2008)
Nacimiento 4 de enero de 1932, 77 años
Bandera de España España, Huesca
Ocupación Cineasta, Escritor, Guionista, Fotógrafo

Carlos Saura Atares (Huesca, 4 de enero de 1932) es un director de cine español, de amplio prestigio internacional.

Contenido

Biografía

Debutó con el documental Cuenca (1958), al que siguió la película Los golfos (1960), que abrió el cine español al camino del Neorrealismo, estilo ya extendido por toda Europa. Pero es en 1965), cuando aparece el mejor cine de Saura, con un asunto de gran dureza que hacía un análisis de las heridas provocadas por la guerra civil en la terrible historia de una partida de caza entre personajes que representaban distintas posturas vitales. La escenografía en exteriores, en un paisaje árido y la fotografía muy contrastada de Luis Cuadrado, hicieron de esta obra una referencia para el cine posterior y obtuvo grandes éxitos internacionales, consiguiendo el premio a la mejor dirección en el Festival Internacional de Cine de Berlín.

Tras sus primeros films, comienza en 1967 su colaboración con el productor Elías Querejeta con la película Peppermint frappé, dando inicio al periodo más destacado de su carrera. Peppermint frappé es de nuevo una indagación psicológica sobre los efectos de la represión franquista tras la guerra civil, las inhibición eróticas y otras carencias de su generación. El desenlace es tan violento como Stress, es tres, tres (1968), La madriguera (1969), El jardín de las delicias (1970) y Ana y los lobos (1972).

Ana y los lobos nos ofrece en el mundo cerrado de una casona de una familia española aristocrática. Rafaela Aparicio, la matriarca de este mundo cerrado, retomará este personaje en Mamá cumple cien años (1979), una continuación de Ana y los lobos. A la casa solariega llega una institutriz extranjera para educar a las niñas de Juan, el varón de la casa. Los deseos reprimidos de los tres hombres de la familia, aparecen tras la llegada de esta bella joven cuyos modos más libres y su sinceridad provocan en el inconsciente de los varones deseos irreprimibles. Ana destapa la inquietud ambiente cerrado y conservador de esta familia, revelando así los rasgos que tanto definen a la sociedad de su tiempo.

En La prima Angélica (1973) que recibió el Premio Especial del Jurado en el Festival de Cannes, el pasado (1936) y el presente (1973) se funden y esto se muestra mediante la confusión del tiempo histórico que se produce en los planos de la película, incluso dentro de una misma secuencia. Así se delata el tema de la presencia de las heridas del pasado en el presente, clásico asunto del psicoanálisis. La presencia del pasado en el presente tiene también otras consecuencias frustrantes, como el contraste entre el amor infantil de Luis y Angélica, que ha sido acaso su único amor, y la relación adulta de Luis y de una Angélica ya casada en una situación que hace imposible la recuperación de aquella relación afectiva. No es este el primer film que explora el recuerdo y la intromisión del pasado en el presente, que estaba ya bien dibujado en obras anteriores, como El jardín de las delicias (1970)

Cría cuervos (1975), también premio del Jurado en el Festival de Cannes, vuelve a explotar el tema de la memoria, oponiendo la mirada de la niña Ana Torrent, que había trabajado en El espíritu de la colmena (1973) de Víctor Erice, y la contrasta con la figura de José Luis López Vázquez, cuyo personaje seguía la estela del que interpretó en El jardín de las delicias, donde aparecía en una silla de ruedas, simbolizando con ello la parálisis psíquica de aquella generación.

Elisa, vida mía (1977) es probablemente su obra maestra. Partiendo de un concepto muy ambicioso de interrelación del cine y la literatura, la película dialoga constantemente con los elementos peculiares del cine: imágenes, sonido, música y textos. En cuanto a las imágenes, hay una profunda relación entre escritura de textos y escritura visual. El diario que escribe el personaje interpretado por Fernando Rey es la fuente, o punto de vista de la enunciación, de lo que vemos, pero todo se complica al ser su hija, interpretada por Geraldine Chaplin, quien lee ese diario a su muerte. Por tanto hay que estar muy avisados para conocer el origen de la narración visual, que podría ser producida por la lectura de la hija, la escritura del padre o la voz enunciadora de un narrador externo a las voces de los personajes, algo así como un Saura-narrador. Todo ello entretejido de referencias a El gran teatro del mundo de Calderón de la Barca, El Criticón de Baltasar Gracián y el mito de Pigmalión que oímos en la versión de la Ópera de Jean-Philippe Rameau (Pygmalion, 1748). Todo ello está pautado por la Gnosienne I de Erik Satie, que nos lleva a los espacios de la memoria.

Con la llegada de la democracia a España, Saura se convierte en uno de los cineastas más destacados de la Transición. Los ojos vendados (1978), es un alegato contra la tortura y las injusticias en Latinoamérica. Al año siguiente aborda su primera comedia, con su revisión de la familia de Ana y los lobos en clave cómica y con un aire de fin de franquismo, Mamá cumple cien años. Fue todo un éxito de crítica y público, premiada en varios festivales y seleccionada para el Oscar a la mejor película extranjera.

En 1980, Saura cambia de registro y, abandonando el cariz intelectual, reflexivo y polisémico, con el que trataba de diseccionar las consecuencias de la guerra civil y el franquismo, vuelve al cine popular, que trata problemas contemporáneos, como la marginación juvenil, con Deprisa, deprisa, que obtuvo el Oso de Oro del Festival de Berlín.

En 1981 comienza la colaboración con Antonio Gades y con el productor Emiliano Piedra. Tras ver su ballet teatral Bodas de sangre, Saura le propone llevarlo al cine, con lo que inicia un género de musical genuino y alejado de los moldes anglosajones. El musical recabó un éxito inesperado internacional tras proyectarse en Cannes. Con la película Bodas de sangre (1981) inventa un nuevo género de baile y contribuye con ello a la extraordinaria divulgación que experimenta estos últimos años el baile español internacionalmente. De nuevo con Antonio Gades y Emiliano Piedra, prepara una adaptación de la ópera de Bizet, Carmen que se convierte en un éxito mundial en 1983, premiada en Cannes y seleccionada para el Oscar. Con El amor brujo, inspirada en la obra homónima de Falla, su musical más ambicioso hasta ese momento, cerraría una trilogía dedicada al musical español contemporáneo.

Tras Dulces horas, la última colaboración con Elías Querejeta, Saura rueda en 1982 su primera película latinoamericana: Antonieta, la historia de una mujer durante la revolución mexicana. En 1984, Saura rueda con Piedra Los zancos.

En 1985 acude al productor Andrés Vicente Gómez para financiar un ambicioso filme sobre la expedición de Lope de Aguirre en busca de El Dorado. El rodaje se lleva a cabo en Costa Rica durante 1987, y la película se convierte en la más cara de la historia del cine español hasta ese momento.

En 1989 estrena La noche oscura, un film intimista sobre el periodo de prisión que sufrió San Juan de la Cruz, el gran místico y poeta español del siglo XVI. En 1990, rueda ¡Ay, Carmela!, adaptación de la obra teatral de José Sanchis Sinisterra. Para esta película vuelve a trabajar con el guionista Rafael Azcona, y en la V edición de los Premios Goya obtiene 13 estatuillas.

En 1991 se traslada a Buenos Aires para rodar El Sur, versión del cuento de Borges. Con Sevillanas, hace un repaso de lo más significativo del género, esta vez mediante una serie de cuadros independientes.

Al año siguiente, se hace cargo de la película oficial de los Juegos Olímpicos de Barcelona, Maratón.

En 1993 rueda "Dispara", una adaptación de un cuento del escritor italiano Scerbanenco. En enero de 1994, comienza el rodaje de Flamenco, que probablemente es el más importante documento audiovisual sobre este arte, a pesar de la desaparición de Camarón, que sí intervino en Sevillanas. Ya no se trata de una serie de cuadros inconexos, sino de un conjunto rodado con milimétrica precisión, donde colaboraba como director de fotografía, el mago de la luz Vittorio Storaro.

En junio de 1997, Saura se traslada a Argentina para rodar Tango; esta película, tras múltiples polémicas, concurre a los Oscar bajo bandera argentina: la cinta es la más galardonada del año en Argentina, y Saura recibe el Premio Cóndor de la Asociación de Críticos Argentinos como mejor director del año. Aparece su novela Pajarico solitario. En abril de 1998 se estrena el film Pajarico.

En 1999 estrena Goya en Burdeos. Publica su novela Esa luz. En 2000 Saura es distinguido con el Premio a la Mejor Contribución Artística y el Premio del Jurado del Festival de Montreal por Goya en Burdeos.

Comienza el nuevo siglo dirigiendo tres filmes musicales basados en idénticos presupuestos estéticos: Salomé (2002), puesta en escena de la conocida tragedia bíblica por la compañía de Aída Gómez; Iberia (2005), homenaje a la Suite homónima del compositor Isaac Albéniz; y Fados (2007), en coproducción con Portugal, sobre el fado, expresión musical portuguesa por excelencia. En estos filmes Saura reitera las mismas convenciones de los musicales previos de los años 90, empezando por el empleo de la luz como elemento dramático, así como la utilización de un mobiliario minimalista, obteniendo en consecuencia unos musicales de gran sobriedad y belleza visual, pero ya sin la novedad de aquéllos.

Entre sus últimas películas destacan El séptimo día (2004), cinta inspirada en el crimen de Puerto Hurraco, terrible masacre acaecida en la Extremadura profunda que conmocionó a España en 1990, con guión de Ray Loriga y, sobre todo, Io, Don Giovanni (2009), uno de sus más ambiciosos trabajos, superproducción en torno a la figura de Lorenzo da Ponte; entre medias, Saura realiza para la Exposición Internacional de Zaragoza 2008 el cortometraje documental Sinfonía de Aragón (2008), magistral ejercicio audiovisual en el que el protagonista es Aragón.

Carlos Saura tiene también una importante obra como fotógrafo y es autor de novelas traducidas a más de 20 lenguas, como Esa Luz, Elisa, vida mía o Pajarico solitario.

En noviembre de 1992 le es concedida la Medalla de Oro de la Academia de las Ciencias y las Artes Cinematográficas de España. Asimismo, se le han otorgado importantes condecoraciones por parte de los Gobiernos francés (en agosto de 1993 se le impone la Orden de Artes y Letras de Francia) e Italiano (Gran Oficial de la Orden del Mérito de la República Italiana), así como los galardones más importantes que concede el Estado Español. En marzo de 1994 fue investido doctor honoris causa por la Universidad de Zaragoza.

Con la directora Adela Medrano tuvo su hijo Carlos Saura Medrano, vivió durante años con Geraldine Chaplin, (hija de Charles Chaplin, Charlot), y en 2006 se casó con la actriz Eulalia Ramón con la que tiene una hija.

Filmografía

Categoría principal: Películas dirigidas por Carlos Saura

Años 50

    • Flamenco (1955) -cortometraje-
    • El pequeño río Manzanares (1956) -cortometraje-
    • La tarde del domingo (1957) -cortometraje-
    • 1958) -documental-; Mención Especial del Festival de San Sebastián.
    • Los golfos (1959)

Años 60

    • Llanto por un bandido (1963).
    • 1965); Oso de Plata al Mejor Director en el Festival de Berlín.
    • Peppermint frappé (1967); Oso de Plata al Mejor Director en el Festival de Berlín.
    • Stress es tres, tres (1968)
    • La madriguera (1969)
    • 1970).

Años 70

Años 80

Años 90

    • ¡Ay, Carmela! (1990); ganadora de 13 Premios Goya, incluyendo Mejor Película y Mejor Director.
    • 1991).
    • 1991)
    • 1992)
    • ¡Dispara! (1993).
    • 1995).
    • Taxi (1996)
    • Pajarico (1998).
    • 1998); nominación al Oscar a la Mejor Película Extranjera y Premio a la Fotografía en el Festival de Cannes, entre otros galardones.
    • Goya en Burdeos (1999); Gran Premio de las Américas del Festival de Montreal y ganadora de 5 Premios Goya.

Años 2000

Premios

Citas

    • «De joven iba a tertulias, era amigo de Luis Martín Santos, de Ferlosio, de Carmen Martín Gaite. Me gustaba conocerlos y saber lo que hablaban de literatura. Luego tuve que empezar a escribir mis guiones porque los que leía no coincidían con mi personalidad. Así he descubierto el placer de escribir en soledad, empezar una narración sin saber lo que es, que luego me sirve para hacer cine. Siempre he vivido cercano a la escritura, desde pequeño tal vez, pero no pensaba que podría tener interés lo que estaba haciendo. Era en el cine donde me volcaba. Pero ha llegado un momento en que me he dado cuenta de que podía llegar a los demás a través de mis relatos y me lo he tomado más en serio. En mi vida he tratado de compaginar actividades dispares, porque en todo momento intento hacer lo que más me gusta. A mí me atrae la fotografía, me encanta escribir y cada vez encuentro más satisfacción personal en las horas en que me encierro para dedicarme a esto. Y la imagen, la escritura, la música todo lo vuelco en las películas que me parece como el resumen de todo lo anterior».
    • «Hoy yo no podría separar el cine de mi vida y cada película responde a unas necesidades mías. Va tan paralelo a mi existencia, que es una especie de necesidad. Es muy placentero para mí. Veo que hay personas que sufren mucho al hacer un cuadro, o al escribir, o al hacer una película. Quizá son personas muy torturadas y yo no lo soy tanto. Para mí todo el proceso de hacer una película es fantástico. Lo que no quiere decir que no haya momentos de preocupación porque la responsabilidad que tienes es muy grande, que es la parte negativa del cine. Toda la parte de invención y de creación es una maravilla y toda la parte del dinero, de obligaciones, de responsabilidad... A veces como lo pienses mucho, no harías ni un plano. Me bloquearía, así que no quiero pensarlo».
    • «El cine es maravilloso, pero brutal. Para mí, el rodaje es una descarga fantástica, ver cómo sale adelante algo completamente diferente a lo que había escrito. Creo mucho en la improvisación. Yo, que soy un perfeccionista, creo mucho en la imperfección, aunque parezca una contradicción. Se la oí a Cortázar: "Insiste en tus errores porque ésa es tu verdadera personalidad". Se aprende de los demás, pero el desafío es ser tú a través de lo que haces. Yo soy perfeccionista en la técnica. Me gusta ir preparado, pero dejando el margen de misterio que hay en todo, cuando escribes, cuando ruedas, cuando pintas, y que depende de la energía del momento, de la atmósfera, del entusiasmo, y por eso yo acepto la imperfección. No planifico nada los rodajes. Dibujo mucho, pero más por diversión; hay cosas que no se pueden prever. Luego llegas allí, haces un par de ensayos con la cámara y los actores y ya lo has cambiado todo. Aparte, no me gusta eso de ir con todo atado».
    • «Si se me dice una influencia en el terreno de las ideas o de la concepción de un mundo, entonces digo que sí, que quizá tenga influencia de Buñuel. De su cine siempre me fascinó la mirada del desdoblamiento, los juegos con el tiempo y los planos existenciales, y eso es algo que siempre ha influido decisivamente en mi cine».
    • Saura, preguntado en la Mostra de Venecia (1-09-2008) qué filme suyo prefería, reflexionó sobre su obra: «No me gusta ninguno. No los veo. La vida tiene un camino, una evolución, y prefiero pensar en lo que tengo que hacer y no en el pasado. No amo a mi obra».

Obras literarias

  • Pajarico solitario (1997)
  • ¡Esa Luz! (1998)
  • Elisa, vida mía (2004)

Guiones editados en libro

  • Esa luz
  • Goya en Burdeos
  • Buñuel y la mesa del rey Salomón
  • Elisa, vida mía
  • Cría cuervos

Obra fotográfica

  • Carlos Saura, fotógrafo: años de juventud (1949-1962), exposición de fotografías... (edición de Agustín Sánchez Vidal) (Galaxia Gutenberg; Barcelona, 2000)

Enlaces externos

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