Cine de Estados Unidos

Cine de Estados Unidos

Cine de Estados Unidos

Similar a lo que pasa con la música popular estadounidense, la industria cinematográfica estadounidense ha tenido un profundo efecto en el cine alrededor del mundo desde inicios del siglo XX. Su historia se divide en ocasiones en cuatro períodos principales: la era muda, el Cine Clásico de Hollywood, Nuevo Hollywood, y el periodo contemporáneo (a partir de 1980).

Contenido

Historia

Desarrollo temprano

Justus D. Barnes en el film Edwin S. Porter El Gran Robo del Tren

La segunda instancia grabada de imágenes capturando y reproduciendo movimiento fue una serie de fotografías de Eadweard Muybridge que mostraban un caballo galopando, tomadas en Palo Alto, California, utilizando un conjunto de cámaras fijas colocadas en fila. El logro de Muybridge motivó a inventores de todas partes para intentar creas dispositivos similares que pudiesen capturar ese movimiento. En EE. UU., Thomas Alva Edison fue el primero en producir un dispositivo de esas características, el kinetoscopio, cuya abusiva patente forzó a los primeros cineastas a buscar otras alternativas.

En EE. UU., las primeras exhibiciones de películas para grandes audiencias se hacían usualmente en los descansos de los shows de vodevil. Los empresarios comenzaron a viajar para exhibir sus películas, llevando al mundo las primeras incursiones en el género del drama. El primer gran éxito del cine estadounidense, así como el logro experimental más largo hasta el momento, fue El gran atraco al tren, dirigida por Edwin S. Porter. En los albores de la industria cinematográfica estadounidense, Nueva York fue el epicentro de los cineastas. El estudio de grabación de Kaufman-Astoria en Queens, construído durante la etapa muda del cine, fue usado por los hermanos Marx y W. C. Fields. Chelsea (Manhattan) también era utilizado con frecuencia. Mary Pickford, una actriz ganadora del premio de la Academia, rodó algunas de sus primeras películas en esta zona. Sin embargo, el mejor clima de Hollywood durante todo el año lo convirtió en una mejor opción para rodar.

Hollywood

A principios de 1910, el director D.W. Griffith fue enviado por el Biograph Company para la costa oeste con su compañía. Empezaron a filmar en un terreno baldío cerca de Georgia Street, en el centro de Los Ángeles. La compañía explorar nuevos territorios y viajó varias millas al norte de un pequeño pueblo. Este lugar fue llamado "Hollywood". Griffith entonces filmó la primera película en Hollywood, California, un melodrama sobre California en el 1800, mientras pertenecía a México. Después de escuchar acerca de este maravilloso lugar, en 1913, muchos encargados del cine se dirigieron al oeste para evitar las tasas impuestas por Thomas Edison, propiedad de las patentes sobre el cinematografo. Antes de la Primera Guerra Mundial, las películas se hicieron en varias ciudades de EE.UU., pero los cineastas gravitado el sur de California como la industria a desarrollarse. Fueron atraídos por el clima suave y fiable de la luz solar, lo que permitió a las películas de cine al aire libre durante todo el año, y por la variedad de sus paisajes que estaba disponible.

Invencion del Cine como arte autonomo

El punto de partida para el cine americano fue Griffith con El nacimiento de una nación que fue pionera en la filmación de vocabulario que todavía domina el celuloide hasta el día de hoy. El nacimiento de una nación es uno de los grandes hitos de la historia del cine, y lo es porque David W. Griffith reúne y sistematiza todos los recursos narrativos que había ido desarrollando el cine hasta ese momento (1915). Lo hace de una forma en que queda establecido un modelo de cine que se perpetuaría hasta la actualidad. La forma en que se establece el salto de eje, el uso de los primeros planos, la alternancia entre planos generales que permiten que el espectador comprenda y organice mentalmente el espacio donde transcurre la acción y planos cortos donde se aprecia el detalle constituyen la base del modelo.

«El padre del cine moderno»

Estudios tempranos de la historia del cine mostraban a Griffith como «El padre del cine moderno», partiendo de un artículo escrito por él mismo en un periódico poco después de su salida de AM&B en 1913. En éste afirmaba ser el creador del lenguaje cinematográfico, tales como el primer plano; o el flashback. Los primeros historiadores de cine, sin tener acceso a muchos de los filmes producidos antes de 1913, declararon a Griffith como el "padre del cine" Estudios recientes y el descubrimiento de varios filmes (Brighton Conference), demostraron que aunque una amplia variedad de realizadores trabajaban en explorar nuevas técnicas narrativas y estéticas para el cine en Francia, Italia, Estados Unidos ninguno sistematizo los diversos descubrimientos en un lenguaje cinematografico. Edwin Porter, por nombrar a uno de ellos, hace muestra de algunas técnicas narrativas en The life of an american fireman (1903) así como el desarrollo de nuevas técnicas de edición en The great train robery (1903), pero sus descubrimientos no tienen continuidad mas alla de su aplicacion tecnica.

La importancia de Griffith como realizador fue su capacidad de utilizar y combinar aquellas técnicas. Tildar a Griffith como «El padre del cine moderno» es por esto, aplicable a la figura de este creador. Su imaginación y su gran destreza detrás de las cámaras lo hacen el director más importante del munfdo en esa época.

Durante el periodo en que el cine comenzaba se crearon tres tipos de discurso cinematográfico:

  • El discurso de los Lumière. Pretende plasmar la realidad, no obstante manipula lo que aparece en imagen (lo mediatiza), al buscar composiciones que recogieran los estilos pictóricos en boga en la época. Precisamente, este eco hizo que el cine llamase la atención del público ya acostumbrado a los inventos que captaban la imagen en movimiento como el Kinetoscopio u otros similares.
  • El discurso de Méliès. Aplica a la puesta en escena la tradición carnavalesca y de las fiestas populares, dando a sus películas un cierto aire fantasmagórico.
  • El discurso de Griffith. Combina la imagen cinematográfica con el discurso propio de la novela decimonónica, dando así nacimiento al relato cinematográfico.

Al discurso de los Lumiere y de Méliès se los engloba como Modo de representación primitivo. No es algo exclusivo de estos primeros cineastas sino de todos los que realizaban cine en aquella época. En contraposición, se encuentra el discurso de Griffith y el de la mayoría de los que siguieron. Se les engloba bajo la etiqueta de Modo de representación institucional.

Griffith además fue el descubridor de muchas estrellas de la naciente industria fílmica norteamericana, entre las que se encuentran: las hermanas Lillian y Dorothy Gish, Mae Marsh, Blanche Sweet, Mack Sennett (cómico canadiense imitador de Max Linder), y sobre todo Mary Pickford, quien pronto se convertiría en «la novia de América».


Edad de Oro de Hollywood

Durante la llamada Edad de Oro de Hollywood, o de la narrativa clásica de Hollywood, son los términos utilizados en la historia del cine, que designa a la vez un estilo visual y de sonido para películas y un modo de producción utilizados en la industria cinematográfica de América aproximadamente entre 1910 y 1960. Estilo clásico, es fundamentalmente basarse en el principio de la continuidad o la edición de "invisible" de estilo. Es decir, la cámara y la grabación de sonido no debería llamar la atención sobre sí mismos.

En esa epoca las películas en los estudios de Hollywood se rodaban de forma parecida a la que se utilizaba para ensamblar los coches en las cadenas de montaje de Henry Ford. No había dos películas exactamente iguales, pero la mayoría seguían un genero: Western, comedia, cine negro, musicales, cine de animación, biográfico, etc, y los mismos equipos creativos solían trabajar en las películas producidas por el mismo estudio - por ejemplo, Cedric Gibbons y Herbert Stothart siempre trabajaron en las películas de la MGM, Alfred Newman trabajó para la Twentieth Century Fox durante veinte años, casi todas las películas de Cecil B. De Mille fueron producidas por la Paramount, las películas del director Henry King fueron en su mayoría rodadas para Twentieth-Century Fox, etc. Se podía llegar a adivinar qué estudio había producido cada película solo por los actores que aparecían en ella; cada estudio tenía su propio estilo y toque característico que hacía posible averiguarlo - una cualidad que no existe hoy día. Aun así cada película tenía ligeras diferencias, y, en contraposición a los fabricantes de coches, la mayoría de las personas que intervenían en el rodaje eran artistas. Por ejemplo, Tener y no tener (1944) es famosa no solo por su pareja de protagonistas Humphrey Bogart (1899-1957) y Lauren Bacall (1924-) sino también por haber sido escrita por dos futuros ganadores del Premio Nobel de Literatura: Ernest Hemingway (1899-1961), autor de la novela en la que se basó la película, y William Faulkner (1897-1962), que trabajó en la adaptación para la pantalla grande.

Sin embargo rodar películas todavía era un negocio y las productoras hacían dinero operando bajo el llamado sistema de estudio. Los principales estudios tenían a miles de personas en nómina -actores, productores, directores, escritores, especialistas, mecánicos y técnicos. También poseían cientos de teatros en ciudades y pueblos repartidos por todo el país- teatros que proyectaban sus películas y que siempre necesitaban material fresco.

Muchos historiadores hacen hincapié en la gran cantidad de buenas películas que surgieron en este período de férreo control de los rodajes. Una de las razones que hizo esto posible fue que, con tantas películas en producción simultáneamente, no todas tenían que ser un éxito de taquilla. Un estudio podía arriesgarse con un proyecto de presupuesto medio que tuviese un buen guión y actores relativamente desconocidos: Ciudadano Kane, dirigida por Orson Welles (1915-1985) y unánimemente considerada como una de las mejores películas de todos los tiempos, cumplía estas premisas. En otros casos, directores con una gran personalidad como Howard Hawks (1896-1977) y Frank Capra (1897-1991) se pelearon con los estudios para imponer sus visiones artísticas. El sistema de estudio alcanzó, probablemente, su apogeo en el año 1939, que vio el estreno de clásicos como El mago de Oz, Lo que el viento se llevó, La diligencia, Caballero sin espada, Solo los ángeles tienen alas, Ninotchka, y Medianoche. Entre otros títulos salidos de la Edad de Oro que son considerados clásicos en nuestros días podemos citar: Casablanca, ¡Qué bello es vivir!, la versión original de King Kong, y Blancanieves y los siete enanitos.

El declive de los estudios

El sistema de estudio y por ende la Edad de Oro de Hollywood sucumbieron a dos fuerzas a finales de los años 40: (1) Una intervención federal que separó la producción de películas de su exhibición en salas; y (2) la invención de la televisión. Como resultado de esa intervención, actores y cuerpo técnico fueron liberándose gradualmente de sus contratos con las productoras. Ahora, cada película hecha por un estudio podría tener un reparto y equipo creativo completamente distinto, desencadenando en la pérdida gradual de todas esas "características" que hicieron inconfundibles a las películas de la MGM, Paramount, Universal, Columbia, RKO y Twentieth-Century Fox. Sin embargo, determinadas personas del mundillo, como Cecil B. DeMille, utilizaron artistas que seguían contratados hasta el final de sus carreras o los mismos equipos creativos en sus películas por lo que, una película de DeMille todavía parecía rodada en 1932 o 1956. El número de películas en rodaje descendió bruscamente, incluso las de gran presupuesto, marcando un cambio en la estrategia a seguir por la industria. Los estudios se centraron en producir entretenimiento que no pudiese ser ofrecido por la televisión: espectáculo, producciones con argumentos trascendentales, mientras otros cedieron los derechos de sus bibliotecas cinematográficas y teatrales a otras compañías para ser vendidos a la televisión.

Aunque la televisión acabó con la hegemonía de la industria cinematográfica en el entretenimiento estadounidense, el surgimiento de la televisión resultaría ventajoso, a su forma, para las películas. Esto fue debido a que la opinión pública sobre la calidad de la programación televisiva decayó rápidamente y, por el contrario, el status del cine empezó a ser cada vez más reconocido como una forma de arte seria y digna de respeto y estudio. Esto fue complementado con la milagrosa decisión en la que la Corte Suprema de los Estados Unidos revocó su decisión y dictaminó que las películas eran una forma de arte con derecho a la protección de la Primera Enmienda.

El 'Nuevo Hollywood' y el cine Post-clásico

"Cine Post-clásico" es un término utilizado para describir los cambios narrativos en el nuevo Hollywood. Se argumenta que las nuevas aproximaciones al drama y la caracterización jugaron con la expectación de la audiencia adquirida en el período clásico: la cronología se cruzaría, los guiones presentarían "finales inesperados" y las líneas que separan al antagonista y protagonista estarían difuminadas. Las raíces de la narración post-clásica segun Ángel Faretta esta en el momento de auto-conciencia del cine, a partir de la película de Orson Wells, "Citizen Kane", donde por primera vez el cine "se contempla a si mismo". Otros declaran que el quiebre podría estar en el cine negro, en Rebelde sin Causa (1955), y en la rompedora y atípica película de Hitchcock Psicosis.

'Cine Post-clásico' es un término utilizado para describir al período que prosiguió al declive del sistema de estudio en los 50 y 60 y el final del código de producción. Está marcado por una gran tendencia a dramatizar cosas como la sexualidad y la violencia.

'Nuevo Hollywood' es un término utilizado para describir la aparición de una nueva generación de directores educados en escuelas de cine y que han absorbido las técnicas creadas en Europa en la década de los 60. Directores como Francis Ford Coppola, George Lucas, Brian de Palma, Martin Scorsese, y Steven Spielberg llegaron para crear productos que rindiesen homenaje a la historia del cine e innovar sobre los géneros y técnicas ya existentes. Al principio de la década de los 70, sus películas fueron a la vez alabadas por la crítica y exitosas comercialmente. Mientras las primeras películas del Nuevo Hollywood como Bonnie y Clyde y Easy Rider habían sido relativos affairs de bajo presupuesto con héroes amorales y una sexualidad y violencia incrementadas, el enorme éxito cosechado por Coppola, Spielberg y Lucas con El Padrino, Tiburón, y La Guerra de las Galaxias, respectivamente ayudaron a establecer el concepto moderno de "cine comercial", y obligaron a los estudios a enfocar más seriamente sus esfuerzos en intentar producir grandes éxitos.

Blockbusters

La obsesión por producir espectáculo en la gran pantalla ha modelado ampliamente el cine estadounidense desde sus comienzos. Epopeyas espectaculares tomaron ventaja de las nuevas técnicas panorámicas que habían ido creciendo en popularidad desde la década de los 50. Desde entonces, las diferencias entre las películas estadounidenses se han ido incrementando hasta llegar a dividirse en dos categorías: cine comercial y cine independiente. Los estudios se han orientado en confiar en un puñado de estrenos extremadamente caros cada año en orden a mantenerse rentables. Enfatizan el espectáculo en el cine comercial, el poder de las estrellas y un alto coste de producción, lo que implica un enorme presupuesto. El cine comercial típico se basa en el poder mediático de sus estrellas y la publicidad masiva para atraer a una amplia audiencia. Un título de éxito atraerá una audiencia lo suficientemente grande como para compensar los gastos de producción y proporcionar beneficios considerables. Este tipo de producciones tienen un elevado riesgo de fracaso y la mayoría de los estudios estrenan títulos todos los años que se sitúan a ambos lados de la balanza.

Cine Independente

Los estudios complementan estas películas con producciones independientes, rodadas con presupuestos pequeños y a menudo independientemente de la corporación del estudio. Las películas hechas de esta forma típicamente enfatizan su alta calidad profesional en términos de interpretación, dirección, guión y otros elementos asociados con la producción y, también, con la creatividad y la innovación. Estas películas cuentan usualmente con el apoyo de la crítica o con encontrar su hueco en el mercado para conseguir audiencia. Debido a los bajos presupuestos del cine independiente, un título exitoso puede tener un alto ratio de beneficios mientras que uno fallido obtiene unas pérdidas mínimas, permitiendo a los estudios patrocinar docenas de estas producciones en adición a sus grandes estrenos.

El cine independiente estadounidense fue revitalizado a finales de los años 1980 y principios de los años 1990 cuando otra nueva generación de cineastas, incluyendo a Spike Lee, Steven Soderbergh, Kevin Smith, y Quentin Tarantino rodaron títulos como, respectivamente, Haz lo que debas, Sexo, mentiras y cintas de vídeo, Clerks., y Reservoir Dogs. En términos de dirección, guión, edición y otros elementos, estas películas fueron innovadoras y a menudo irreverentes, jugando con la contradicción de las convenciones de las películas de Hollywood. Además, su considerable éxito económico y su cruce con la cultura popular reestableció la viabilidad comercial del cine independiente. Desde entonces, la industria del cine independiente se ha definido con más claridad y con más influencia en el cine estadounidense. Muchos de los principales estudios se han enfocado en ello mediante la creación de subsidiarios para producir películas similares; por ejemplo Fox Searchlight Pictures.

En menor medida en la presente década, los tipos de películas que previamente tenían una presencia mínima en el ámbito del mercado cinematográfico han empezado a resurgir con una mayor atracción en taquilla. Estos incluyen películas de habla no inglesa como Tigre y Dragón y Herp y documentales como Super Size Me, El Marzo de los pingüinos y los trabajos de Michael Moore, Bowling for Columbine y Fahrenheit 9/11.

La aparición del mercado de vídeo doméstico

Los años 1980 y los 1990 vieron otra importante creación. La completa aceptación del vídeo por parte de los estudios abrió un nuevo y vasto campo de negocio a explotar. Películas como The Secret of NIMH y The Shawshank Redemption, que tuvieron una pobre aceptación en taquilla, fueron capaces de encontrar su éxito comercial en el mercado del vídeo. Esas décadas también vieron la primera generación de cineastas que tuvieron acceso a la emersión de las cintas de vídeo. Directores como Quentin Tarantino y Paul Thomas Anderson habían tenido acceso a miles de títulos y produjeron películas con innumerables referencias y conexiones con obras previas. Esto, junto con la explosión del cine independiente y la reducción de costes en el rodaje, cambió el panorama del cine estadounidense una vez más y lideró un renacimiento en el rodaje de películas entre las clases baja y media de Hollywood; aquellas sin acceso a los recursos económicos del estudio.

La aparición del DVD en el siglo XXI se convirtió rápidamente en una gran fuente de beneficios para los estudios y ha liderado una explosión de ediciones con escenas extra, versiones extendidas y pistas comentadas en las películas.

Figuras notables del cine estadounidense

La lista de directores destacados nacidos en EE. UU. incluye:

Otros actores de culto estadounidense como:

Bibliografía

Hollywood

  • Christopher Ames, Movies about the movies: Hollywood reflected, University Press of Kentucky, 1997
  • George F. Custen, Twentieth Century's Fox: Darryl F. Zanuck and the Culture of Hollywood; New York: BasicBooks, 1997; ISBN 0-465-07619-X
  • Bordwell, David; Staiger, Janet; Thompson, Kristin, The Classical Hollywood Cinema, New York: Columbia University Press, 1985
  • Steven Alan Carr, Hollywood and anti-semitism: a cultural history up to World War II, Cambridge Univ. Press, 2001
  • Gene Fernett, American Film Studios: An Historical Encyclopedia; Jefferson, NC: McFarland, 1988; ISBN 0-7864-1325-5
  • Otto Friedrich, City of Nets: A Portrait of Hollywood in the 1940s; New York: Harper & Row, 1986; ISBN 0-06-015626-0
  • Neal Gabler, An empire of their own: how the Jews invented Hollywood, New York: Crown Publishers, 1988
  • Molly Haskell, From reverence to rape: the treatment of women in the movies, 2. ed., Univ. of Chicago Pr., 1987
  • Mick LaSalle, Complicated Women: Sex and Power in Pre-Code Hollywood; New York: St. Martin's Press, 2000, ISBN 0-312-25207-2
  • Ethan Mordden, The Hollywood Studios: House Style in the Golden Age of the Movies; New York: Alfred A. Knopf, 1988; ISBN 0-394-55404-3
  • Stephen Prince, A new pot of gold: Hollywood under the electronic rainbow, 1980 - 1989 (=History of the American cinema, vol. 10), New York: Scribner [etc.], 2000
  • Vincent F. Rocchio, Reel Racism: Confronting Construction of Afro-American Culture, Westview Press, 2000
  • Peter C. Rollins (ed.), Hollywood's Indian: the portrayal of the Native American in film, Univ. Press of Kentucky, 1998
  • Marjorie Rosen, Popcorn Venus: Women, Movies & the American Dream, New York: Coward, McCann & Geoghegan, 1973, ISBN 0-698-10545-1
  • Steven J. Ross, Working class Hollywood: silent film and the shaping of class in America, Princeton University Press, 1998
  • Jean Rouverol, Refugees from Hollywood: a journal of the blacklist years, University of New Mexico Press, 2000
  • Kerry Segrave, American television abroad: Hollywood's attempt to dominate world television, McFarland, 1998
  • Dawn B. Sova, Women in Hollywood: from vamp to studio head, New York: Fromm International Publ., 1998
  • John Trumpbour, Selling Hollywood to the World: U.S. and European Struggles for Mastery of the Global Film Industry, 1920-1950, Cambridge University Press 2002
  • Eileen Whitfield, Pickford: the woman who made Hollyood, Macfarlane Walter & Ross, 1997

Cine experimental estadounidense

  • Lauren Rabinovitz, Points of resistance: women, power & politics in the New York avant-garde cinema, 1943-71, 2nd edition, University of Illinois Press, 2003
  • P. Adams Sitney, Visionary Film: The American Avant-Garde 1943-1978, Second Edition, Oxford University Press 1979

Documentales estadounidense

  • Bil Nichols, Newsreel: documentary filmmaking on the American left, New York: Arno Pr., 1980
  • Janet K. Cutler, Phyllis Rauch Klotman, ed., Struggles for Representation: African American Documentary Film and Video, Indiana University Press 2000

Cine independente

  • Peter Biskind, Down and Dirty Pictures: Miramax, Sundance and the Rise of Independent Film, Bloomsbury, 2005
  • Greg Merritt, Celluloid Mavericks: A History of American Independent Film, Thunder's Mouth Press, 2001

Véase también

  • Premios de la Academia
  • Cine mundial
  • Nombres inspirados en Hollywood

Enlaces externos

Obtenido de "Cine de Estados Unidos"

Wikimedia foundation. 2010.

Игры ⚽ Нужен реферат?

Mira otros diccionarios:

  • Estados Unidos — Para otros usos de este término, véase Estados Unidos (desambiguación). Para otras acepciones de U. S., USA o EUA, véase Us (desambiguación), USA (desambiguación) y EUA (desambiguación). United States of Americ …   Wikipedia Español

  • Cine de los Estados Unidos — La industria cinematográfica estadounidense ha tenido un profundo efecto en el cine alrededor del mundo desde inicios del siglo XX. Su historia se divide en ocasiones en cuatro períodos principales: la era muda, el cine clásico de Hollywood, el… …   Wikipedia Español

  • Estados Unidos de América — (United States of America) ► República federal formada por cincuenta estados, excepto Alaska y el archipiélago de Hawaii, que se extiende unos 4 000 km de E a O y 2 000 km de N a S. Limita con Canadá al N, el océano Atlántico al E, el golfo de… …   Enciclopedia Universal

  • Anexo:Películas de Estados Unidos de 2008 — Este articulo contiene las peliculas estrenadas en Estados Unidos en el año 2008 Listado de película Índice: A B C D E F G H I J K L M N Ñ O P Q R S T U V W X Y Z …   Wikipedia Español

  • Anexo:Películas de Estados Unidos de 2011 — Este anexo contiene las peliculas estrenadas en Estados Unidos en el año 2011. Listado de película Contenido: Arriba 0 9 A B C D E F G H I J K L M N Ñ O P Q R S T U V W X Y Z …   Wikipedia Español

  • Rankings de popularidad de los medios en Estados Unidos — Los rankings de popularidad de los medios en Estados Unidos son manejados por diferentes organizaciones. Thriller (Michael Jackson), vendió más de 26 millones de copias en este país. Contenido 1 Música …   Wikipedia Español

  • Anexo:Películas de Estados Unidos de 2001 — Este articulo contiene las películas que se estreneron en el 2001. Listado de película Índice: principio A B C …   Wikipedia Español

  • Asociación Cinematográfica de Estados Unidos — La Motion Picture Association of America (MPAA, ‘Asociación Cinematográfica de Estados Unidos’), llamada originalmente Motion Picture Producers and Distributors Association of America (‘Asociación de Productores y Distribuidores Cinematográficos… …   Wikipedia Español

  • Anexo:Películas de Estados Unidos de los años 1890 — Este articulo contiene peliculas estrenada en la decada de los 90 1890s Titulo Director Elenco Genero Notas 1890 Monkeyshines, No. 1 William K.L. Dickson, William Heise Sacco Albanese Cortometraje, Comedy, Family Primera película americana:… …   Wikipedia Español

  • Sur de Estados Unidos — Mapa de los Estados Unidos destacando en rojo la Región Sur, según la Oficina del Censo de los Estados Unidos …   Wikipedia Español

Compartir el artículo y extractos

Link directo
Do a right-click on the link above
and select “Copy Link”